capa do novo single do Henrik José

Acompanhar a sua carreira torna-se então uma surpresa anual, já que nunca se sabe quando uma nova faixa pode ser divulgada. E hoje foi um desses dias em que você abre a sua caixa de e-mails e recebe a notícia que o novo single Photo Album está disponível para download.

O single é composto da faixa-título, uma viagem progressiva que lembra os bons momentos do Animal Collective, e também da música Den Andra Handen, cantada em sueco e de uma sensibilidade conhecida pelos fãs do cantor.

Aparentemente, Photo Album fazia parte de uma vídeo-arte criada pelo artista há 8 meses atrás.

Continua sendo engraçado o descompromisso que o Henrik tem o status quo normal da indústria fonográfica. Talvez ele busque aí uma “bolha” de segurança melhor para produzir sem intereferências ou pressões de produtores ou orçamentos bizarros.

Talvez ele não queira virar uma piada de si mesmo. Pra isso, já basta o Coldplay e suas misteriosas composições.

Photo Album from Henrik José on Vimeo.

devendra em sua apresentação

(veja a primeira parte aqui)

No dia seguinte fiquei fascinada pelas músicas do Devendra Banhart, doido de pedra, mas com um show muito bom, animado e contagiante até pra mim que não conhecia. Tudo aquilo só que me deu vontade de ouvir mais. Logo depois o show “low profile” da Cat Power. Todo mundo sentado, nem parecia que estávamos em um festival com tantas pessoas. Incrível como ela não fica no centro do palco e divide a intensidade da música com a banda que é impecável. Na hora de ir embora ela nem falou nada no microfone e só agradeceu com gestos, fiquei realmente impressionada com a discrição dela, uma artista low profile que está lá pela música e não por ela. Depois veio a nova banda The Drums, que me fez ir no túnel do tempo para algum lugar dos anos 80/90. Sensacional. O vocalista dançando é impagável, muita energia. Tenho certeza que essa banda vai crescer muito, tem muito potencial. Ápice do show foi: Let´s go surfing e Forever and ever, não sei como minha perna conseguiu aguentar pular mais um pouco depois de The Killers.

tensão no segundo dia

Outro poder sensacional da música é fazer esquecer a parte ruim da vida. Como os shows foram muito bons, deu até para relevar o perrengue da péssima organização do festival. Logo que chegamos para trocar o protocolo pelo ingresso percebemos a jornada que ia acontecer. Quase 4 horas para conseguir entrar, o mundo todo lá na fila perdendo os primeiros shows do festival. Tiveram que chamar a polícia, seus cavalos e suas grades para conseguir organizar algo que deveria ter sido organizado desde o começo. Foi um pouco revoltante e até me fez pensar “o que estou fazendo aqui?”. E depois ainda veio o perrengue para conseguir entrar em um palco minúsculo e fechado que eles colocaram várias bandas boas como: Devendra Banhart, The Drums, Cat Power e não foi todo mundo que conseguiu ver, não foi todo mundo que se arriscou como eu e o meu amigo fizemos, não foi todo mundo que teve a força de ultrapassar a grosseria da polícia que foi chamada novamente para fazer o crowd control Até agora não entendi como fizeram um palco pequeno e fechado para um festival assim…Com todo aquele controle da policia fiquei me sentindo na ditadura ou algo parecido. Não foi legal. Mas como eu disse, como os shows foram bons toda essa parte ruim ficou em segundo plano, pelo menos pra mim.

Balanço final? Valeu a pena, pela música valeu a pena, pela companhia valeu a pena, pela experiência valeu a pena. Poderia não ter a remota lembrança negativa, mas acho que não é só aqui no Brasil que as coisas não são perfeitas.

público e o palco principal

Um dos meus sonhos era é nestes festivais gigantes no estilo Glastonbury de ser. Aí fiquei sabendo que o festival americano Lollapalooza iria vir para o Chile e pensei: por que não? Pelo menos é mais perto, um sonho mais acessível, por enquanto. Então aderi a loucura ideia de passar o final de semana no Chile. Acho que esse negócio de muitas pessoas unidas pela música me fascina, acho incrível como a música pode unir pessoas tão diferente, de lugares diferentes, de culturas diferentes, mas que naquela música tem algo em comum.

O festival foi em Santiago, a cidade dos cachorros pela rua e do céu azul sem nuvens. O Parque O‘Higgins era simplesmente gigante. Dentro do festival um clima completamente de verão. Pessoas do mundo todo por ali. Coca light sendo distribuída a vontade. Americanas de biquini. Chilenos sentados na grama, totalmente na deles. Muitos brasileiros, obviamente. Hipsters ou não, o clima era o mesmo: todos estavam ali pela música. Mas um detalhe surpreendente e impressionante era a quantidade de crianças, eram MUITAS. E o mais curioso é que elas estavam muito bem por ali, estavam se sentindo em casa, curtindo os shows, dançando, parecia que elas sabiam que estavam ali pelos shows.

Todos os shows que eu vi foram sensacionais. Eram bandas de verdade, que tocam por paixão. Ouvi de relance o antigo James e gostei muito, nunca tinha ouvido falar, mas sei de pessoas que foram ao festival por causa dele. O meu primeiro show foi Edward Sharpe and the magnetic zeros. Que show! Nunca tinha visto 3 baterias tocando juntas. Nunca tinha visto tanta gente num palco. Que músicas. Que presença de palco. O ápice foi quando ele chamou um menininho sem camisa e com chapéu para ajudar no show, parecia algum personagem de filme.

Pôr-do-sol em santiago

Eu sabia que o show ia ser bom mas mesmo assim me surpreendeu. A música Home é só uma amostra do que eles são capazes. Saindo de lá demos de cara com um por do sol lindo ao som da voz grave do The National! Que momento. O show deles já tinha começado há um tempo, o ápice pra mim foi em Abel, Mr November e Terrible Love naquela hora dourada. Ainda bem que eu teria mais deles logo quando eu voltasse pra SP! Depois disso fomos para o mundo surreal de Empire of the Sun, parecia que estávamos dentro de um planeta qualquer no universo. Tentar definir Empire é perder tempo. Só sei que é uma experiência de vida.

E aí começou a contagem regressiva para o grande momento do festival pra mim! THE KILLERS! Minutos antes do show parecia que eu estava na subida da montanha russa só esperando a adrenalina descarregar na descida. Quando estávamos já a postos e o show poderia começar a qualquer momento aí parecia que eu estava no elevador da Disney só esperando o momento que iria cair! E realmente começou do NADA! Sem introdução nenhuma. Com que música? Spaceman. Só pra me fazer pular até a Lua e ficar lá por uma hora e meia. Não dava para não pular. Ele ainda soltou um “Estan listos para The Killers?” Eu respondi: NÃO!!!!! hahaha….Que show! A intensidade deles é algo inexplicável. Quem estava de fora do show falou que dava pra ouvir todo mundo cantando, sensacional. Posso riscar um sonho da minha lista.

The Killers, no palco do Lollapalooza

Continua na pt.2!

Três anos depois, a banda conseguiu um feito e tanto no compacto espaço do Citybank Hall em São Paulo.

O tempo fez mais do que bem para a banda, ainda mais que no período em que ficaram sem visitar o Brasil, eles lançaram o seu álbum de maior sucesso, High Violet, o que gerou um surpreendente aumento de popularidade do grupo aqui no país. Só que essa maturidade se refletiu mais ainda na formação de palco do grupo que adicionou mais metais em seus arranjos da turnê.

iluminação também foi um destaque da apresentação

A música de abertura ficou a cargo de Runaway, que como a Start a War em 2008, cobriu o público com a melancolia característica dos vocais de Matt Berninger. O mais interessante de assistir a uma apresentação do The National é observar os próprios trejeitos do Matt: em momentos ele parece desligado de qualquer piso existencial, perambulando pelo palco por entre goles de uma taça de vinho, quando subitamente ele pode explodir em gritos de fúria, arremessando o pedestal do microfone para longe dali. Foi dessa crescente que o show foi construindo-se, aumentando de intensidade com a mistura de faixas do Boxer (com as Mistaken for Strangers, Slow Show, Squalor Victoria, entre outras), Alligator (Secret Meeting, Abel), contando, é claro, com as principais do novo álbum.

Mesmo para o bis a banda ainda guardou algumas surpresas, tendo como ápice o momento em que Matt pulou mais uma vez entre o público e foi literalmente elevado do chão enquanto cantava o refrão do Terrible Love. Talvez uma espécie coroação indireta ou um sinal claro que a banda alcançou patamares respeitáveis por todo o público ali presente.

Para finalmente se despedir de todos, após uma muralha de som da About Today, a banda “ressurgiu” nas sombras, em uma iluminação que deixava o grupo em uma penumbra assustadora. Com os instrumentos desligados, apenas tocando violões acústicos, todos cantaram em uníssono Vanderlyle Crybaby Geeks, deixando toda a casa em um silêncio assustador (ok, com alguns gritos ou xingamentos esporádicos).

Fica agora aquela impressão que a banda entrou para aquele clube de grupos que dividem opiniões, na mesma linha dos fãs de Radiohead ou Los Hermanos: ou você está do lado do The National ou não está.

Thanks Gabi Serio pela foto do show!

Pensando nisso, o GeeX! preparou para você dois ótimos comentários sobre este trabalho de Zack Snyder (300).

Sucker Punch: Mundo Surreal, dirigido por Zack Snyder. Com Emily Browning, Vanessa Hudgens E Abbie Cornish

Estreou dia 25 de março de 2011 nos cinemas

Por Engels Marx

Zach Snyder precisa tomar cuidado.

Seus filmes vem caindo cada vez mais em seus próprios clichês (muitos diretores estão fazendo isso, na verdade.. um exemplo disso é o aclamado Tim Burton), porém, a iniciativa de dirigir Sucker Punch muda um pouco minha opinião sobre ele.

Pra começar, tenho que tirar algo do peito… Se Sucker Punch fosse lançado há um ano atrás, teriamos falado que Inception foi feito “copiando” seu esquema. Se não tivesse começado a ser feito antes de Inception, teria dito que “copiou” do filme de Chris Nolan. Sucker Punch tem a idéia de sonho dentro de sonho, só que de modo mais simples – fantasia dentro de fantasia. O espectador demora pra entender onde estamos: na realidade ou na primeira fantasia. Conseguimos entender as diferenças das fantasias, mas o final dá um nó na cabeça. Não vou estragar o final com spoilers, mas aviso: precisa pensar um pouco.

Como todos os filmes dirigidos por Snyder, sua influência é claramente a área das HQs. A parte steampunk indica uma clara influência de mangás e suas cenas de ação são iguais as de 300 e de Watchmen. Acho que a escolha das atrizes também vem de uma influência dos quadrinhos. As atrizes principais não são só carinhas bonitas – como tem ocorrido ultimamente na indústria do cinema – mas são carinhas bonitas que tem capacidade de parecerem sexy e perigosas. Isso, pra mim, vem da “incongruência” permitida pelas HQs, onde em um quadrinho temos uma personagem com um corpo escultural lutando e com traços de guerreira, e no seguinte, a mesma personagem aparece com maiores detalhes no rosto e menores no corpo, com traços mais inocentes.

A trilha sonora nas horas de fantasia marca muito. Ela é composta de manipulações de músicas populares famosas, como Tainted Love (de Ed Cobb, conhecido por suas versões com Soft Cell e Marilyn Mason) e Tomorrow Never Knows (dos Beatles). Músicas que já, naturalmente, pussuíam um certo carater surreal, mas foram regravadas para amplificar esse carater e ressaltar sexualidade e poder das atrizes (2 delas, inclusive, com a própria Emily Browning cantando). Um trabalho muito bem feito, na minha opinião. Com destaque para Army of Me, da cantora Björk (de quem não sou muito fã, mas foi utilizada no melhor contexto o possível). Quando entramos na fantasia, a música passa de um plano secundário para o plano principal, com volume aumentado, embriagando o espectador. É um bom tipo de embriagado. Se você é um espectador que se deixa levar pela música (se não for, deveria ser), vale muito a pena ver esse filme pela trilha.

Discordando de Marx (acima), não achei que tivemos uma “lição de moral” no final do filme. Mas gosto da mensagem do anjo – do início e final do filme. E acho que roteiros assim deveriam aparecer mais. Gosto das resoluções e gostei muito da história.

É um bom filme “testosterona”: mulheres bonitas e sexys; ação de sobra; steampunk. Mas além disso, acho que é um filme onde entendemos coisas novas a cada vez que assistirmos.

Vamos ver como o filme se sai com o tempo…

Neste último dia 26 a banda tocou novamente em São Paulo, desta vez no estádio do Morumbi e reuniu nada mais nada menos que 50 mil pessoas. Nada mal para uma banda que lançou seu primeiro disco há mais de 30 anos. Aos que não estão acostumados com shows de rock, ou mais especificamente show de heavy metal, sinto que preciso fazer um adendo. Shows de rock – com especial atenção às bandas de heavy metal – não são como outros shows e isso defenderei até a morte. E por que? Porque fãs de rock não são fãs comuns. Aqui faço uma ressalva: não me refiro à pessoas que escutam de tudo e que também gostam de rock, refiro-me àqueles que passam horas debaixo do sol para tentar comprar um ingresso para ver uma banda fora de moda, àqueles que pagam fortunas em discos que a maioria das pessoas nunca ouviu falar, àqueles que são capazes de se emocionar toda vez que ouvem aquele solo de guitarra. Esse tipo de fã é aquele fiel, ele pode ouvir e gostar de outras coisas, mas ele sempre será fiel àquelas bandas que o inspiraram das formas mais variadas possíveis. Isso porque o rock and roll não precisa da mídia para sobreviver, ele é um gênero de certa forma atemporal. Enquanto Lady Gaga e Restart gozam de fama quase instantânea e efêmera, centenas de bandas sobrevivem décadas e conquistam fãs sem terem suas músicas tocadas nas rádios. Quando digo que o rock é “atemporal”, não digo de forma alguma que ele seja imutável, mas cada nova tendência que cresce por fora da mídia continua sendo cultuada anos depois de decretarem seu “fim”. Quantos punks não existem por aí? Ou quantas pessoas não sentem o coração bater mais forte quando escutam aquela cena pós-punk dos anos 80? Quantos marmanjos não saem por aí fazendo moshs e stage divings com aquelas bandas de thrash metal que só eles conhecem? Digo tudo isso porque é fundamental ter isso em mente para entender porque o Iron Maiden (para não citarmos algumas outras bandas) vem sempre ao Brasil e sempre enche arenas com shows históricos.

esq. p/ dir.: Dave Murray (g), Janick Gers (g), Bruce Dickinson (v), Steve Harris (b), Nicko McBrain (bt) e Adrian Smith (g)

Assistir a um show da donzela de ferro é algo além de apenas ver pessoas tocando música no palco. Nós vemos gerações de rockeiros, vestidos com suas camisetas pretas das mais variadas bandas. Por vezes vemos pais levando seus filhos adolescentes para o show, vemos caravanas de outras cidades, vemos grupos incontáveis de jovens ávidos por seu primeiro grande show de rock. Tudo isso por pouco mais de uma hora de apresentação e isso é algo que poucas bandas conseguem fazer. Não é segredo para ninguém a rasgação de seda da banda em relação ao Brasil. O Iron Maiden sempre declara que adora tocar no Brasil, talvez exatamente pela paixão com que seus fãs fiéis comparecem às arenas. O Brasil é onde o Iron Maiden tem seus maiores públicos fora de festivais; isso foi confirmado pelo próprio Bruce Dickinson em 2009 no show do Autódromo de São Paulo que reuniu impressionantes 65 mil pessoas. Eu estava lá e acredite: é de arrepiar fazer parte de uma multidão tão apaixonada pela música cantando a plenos pulmões música atrás de música.

Bom, voltando à noite em questão, o dia 26 de março marcou o primeiro show da turnê brasileira do disco The Final Frontier, o décimo quinto álbum de estúdio da banda. Foi meu terceiro show do Iron Maiden (eu os vi em 2004, no Pacaembu, na turnê do disco Dance of Death e em 2009 no já citado megalomaníaco show no Autódromo da turnê Somewhere Back in Time) e eu tenho que dizer: foi o pior set list dos três, sem sombra de dúvidas, mas o Iron Maiden, mesmo com um set list sem inspiração baseado em um disco ruim (mas melhor que seu anterior, A Matter of Life and Death) é uma das pouquíssimas bandas que fazem seus shows valerem a pena sob qualquer circunstância.

A banda tocou 16 músicas, das quais cinco eram deste último disco. Foram poucos clássicos (em se tratando de uma banda com dezenas de clássicos), faltando pérolas como Run to the Hills e Wratchild (músicas que eles tocavam obrigatoriamente), mas mesmo músicas fracas como Coming Home e The Final Frontier funcionam muito bem ao vivo. Desnecessário dizer que músicas como The Number of the Beast, The Trooper, Hallowed be Thy Name, Iron Maiden e o mega-clássico Fear of the Dark forma cantadas em uníssono por cada uma das 50 mil pessoas. Deve ser uma tremenda sensação estar no palco e ver tanta gente, de tantas gerações, de um país tão longe do seu e de língua diferente da sua cantar as músicas que vocês compôs de forma tão energética.

o estádio do Murumbi

Além de grande participação do público, uma grande performance da banda (com destaque sempre para o vocalista Bruce Dickinson que canta do jeito que canta mesmo correndo e pulando durante toda a apresentação), houve ainda toda aquela baboseira que todos nós amamos: uma cabeça de Eddie (o mascote da banda) gigante aparecendo no palco e se mexendo, um Eddie gigante andando pelo palco e “brigando” com um dos guitarristas durante uma das músicas, etc. Um espetáculo completo. O show foi tão bom que até mesmo a banda de abertura (O Cavalera Conspiracy) merece louvores, com um som honesto, simples e bastante pesado, os irmãos Cavalera agradaram não só aos fãs do Sepultura, mas a maioria dos presentes.

Dia 27 o Maiden tocou no Rio de Janeiro e tem datas para Brasília (30/03), Belém (01/04), Recife (03/04) e Curitiba (05/04). Prometeu que voltaria ao Brasil (e eu duvido muito que não volte) e, se o caro leitor me permite uma opinião, vá ao show, mesmo se o próximo disco da banda for tão ruim quanto esses dois últimos (os únicos ruins numa discografia de 15 álbuns), o Iron Maiden é sempre algo que vale a pena ver. Mesmo se o próximo disco da banda for uma mistura de música eletrônica com lambada, eu estarei lá, perdendo a voz e empunhando meu punho no ar, afinal, eu sou um fã de rock.

Existem aqueles que fazem turnês gigantescas, com grandes espetáculos pirotécnicos, recheados de lasers, fumaça, explosões, telões com imagens em alta definição.

Existem também aqueles se defendem por trás de uma muralha de som e fúria, atacando os ouvidos de todos com o mais alto e bom som estridente.

Mas também existem aqueles que são a representação perfeita de sua música, que conseguem transpor tão bem união da performance com o brilhantismo musical que surge entre alguns artistas.

A apresentação do Efterklang se encaixa com perfeição nesta última categoria.

Os dinamarqueses desembarcaram em São Paulo sem muito alarde, com quase nada de divulgação, apoiando-se quase só no boca-a-boca virtual das redes sociais. Recuperados da polêmica do ano passado, eles chegaram na cidade com um otimismo e alegria invejável, mais parecendo estarem tirando férias do que participando do mini Festival Dinamarquês.

Capa do álbum Magic Chairs (2010)

A banda é formada inicialmente por quatro integrantes, o Casper Clausen nos vocais, Mads Brauer nos eletrônicos e programação, Thomas Husmer na bateria e trompete, e o Rasmus Stolberg no baixo. Nos shows do Sesc eles ainda tiveram a ajuda de mais quatro músicos convidados, o que proporcionou um apoio extremamente bem-vindo na apresentação.

O grupo pincelou faixas de seus álbuns anteriores, como o Tripper de 2004 e o Parades de 2007, mas teve grandes momentos com as composições do mais recente Magic Chairs. Foi em algum dos segundos iniciais da faixa Alike que o público ali presente pode sentir o ar mais intimista dos arranjos do Efterklang. Não havia espaço para pessoas gritando ou se empurrando em busca de um copo de vodka no bar. Aliás, nem isso havia ali. O público assistia a apresentação atônito, em silêncio, enquanto Casper parecia invocar uma magia desconhecida para iluminar todos ali presentes.

Assim a noite seguiu, com mais momentos únicos na I Was Playing Drums e na Modern Drift ou na participação coletiva do público ao ajudar na percussão de Raincoats. O público parecia tão envolvido que foi uma surpresa a todos quando Casper se despediu, encerrando ali o que foi certamente uma das melhores apresentações desse começo de 2011.

O que ficou provado ali é que grandes shows não necessariamente precisam de estruturas épicas ou de públicos de 80 mil pessoas. Um bom espaço e um público educado, unidos da mágica proporcionada pela trupe de Claus e seus amigos, são mais do que suficientes para alegrar e encantar a todos ali presentes.

Trent Reznor e Atticus Ross no estúdio

Deixando um pouquinho de lado a tentativa de medir o valor artístico/cinematográfico de ambos lançamentos, ainda mais que isto na convém para este texto, vale apontar que os dois filmes puderam ao menos se destacar pelo o ótimo trabalho de curadoria musical. Em um guinada espetacular (ou apenas puro bom senso) ambos filmes tiveram o cuidadoso trabalho de juntarem as suas equipes, músicos contemporâneos dos quais a discografia conversava com o tema de cada filme. Aqui temos os casos do trabalho de Trent Reznor e Atticus Ross na trilha de A Rede Social e do duo-francês, Daft Punk, nas músicas de Tron: O Legado.

O vocal, líder, comandante, homem principal por trás do Nine Inch Nails, deu certa continuidade nas explorações e experimentações sonoras de seus álbuns anteriores, continuando o trabalho rítmico de algumas batidas antes ouvidas em Year Zero ou no bloco instrumental de músicas na série Ghosts I-IV. A trilha de Reznor combina camadas texturizadas de ruídos com gentis pianos minimalistas, como na faixa Hand Covers Bruise, para depois engatar em uma pulsante In Motion. Os acostumados com o peso do NIN, podem até se surpreender em quão sóbrias são as composições, mas na medida certa para encarnar o ar sombrio e solitário da história contada pelo diretor David Fincher.

Daft Punk Tron Mode On

Já do outro lado do atlântico, os franceses do Daft Punk embarcaram no projeto dos sonhos ao encabeçarem a trilha-sonora do Tron: O Legado. Uma espécie de casamento do pop fascinante com o cult, a trilha era até mais aguardada do que um lançamento normal do grupo. Surpreendentemente, o grupo uniu-se com a London Orchestra, compondo uma trilha que combina momentos de expedientes orquestrados com parafernália eletrônica da melhor categoria. É um grande choque, tendo em vista que a outro trabalho da dupla para o cinema foi para o polêmico Irreversível.

É engraçado ouvir um conjunto de cordas casando perfeitamente com os sintetizadores da dupla, com no caso da profética The Grid. Claro que o bom e velho Daft Punk retorna nas batidas dançantes de End of Line ou até na faixa final Tron Legacy (End Titles).

Deixando de lado o sucesso financeiro ou de crítica de ambos filmes, o que fica é um sinal claro que existe inteligência e boas ideias vindas dos cantos mais inesperados de Hollywood. Existe vida além das trilhas-sonoras conhecidas e experimentos como nos casos de ambos lançamentos demonstram que nem tudo precisava ser como os tambores étnicos de Avatar.

A capa é uma escultura do artista Mark Fox

Foi preciso um período de absorção e reflexão para finalmente sair uma texto sobre o novo álbum do The National, o aguardado High Violet.

Para quem foi no falecido Tim Festival de 2008, teve a sorte de presenciar a intensa apresentação da banda americana, que ali demonstrava provavelmente o ápice de sua maturidade musical com as músicas do álbum Boxer. Na época, alguns apontaram que apresentação foi mais “pesada” do que o devido, que para outros, não passou de pura baboseira de fãs do Interpol Joy Division perdidos na platéia.

High Violet não é exatamente uma continuação de Boxer, mas leva na mala as lições aprendidas nas árduas horas de estúdio que cunharam o som redondo de faixas como Apartment Story. Há neste novo trabalho uma grande sensação de que as faixas foram compostas, gravadas, regravadas e mixadas a exaustão. E provavelmente não foi em vão, vide que eles conseguiram entrar em terceiro lugar na tabela da Billboard deste ano.

Matt Berninger retorna com os seus graves que parecem prontos para destruir as caixas de som de seu computador. Na cozinha, junta-se a bateria mecânica de Bryan Devendorf, que já tinha mostrado seu grande leque de possibilidades nos outros álbuns do grupo (ou bem mais em faixas como o Mistaken for Strangers e Squalor Victoria).

A tríade que abre o álbum (Terrible Love + Sorrow + Anyone’s Ghost) é a razão pela qual muitos fãs e ouvintes casuais acabaram se perdendo no meio do caminho. Ambas parecem manter um mesmo tom, ou ao menos, não demonstram variação entre si. Este não é exatamente um defeito, mas sim uma característica diferente deste álbum, que exige a tal reflexão que comentei no começo do texto. É provável que em algumas semanas você cante “It takes an ocean not to break” ou algum refrão sobre ser o fantasma de alguém sem perceber da onde vieram essas melodias na sua cabeça.

Quando o sumido Sufjan Stevens surge com seus vocais fantasmagóricos em Afraid of Everyone, o álbum toma outra guinada para o melhor. É após esse clássico instantâneo que vem talvez a melhor música deste ano, Bloodbuzz Ohio. A faixa é aquela companhia perfeita para a troca de marchas quando você finalmente entra na estrada no fim de semana. Há algo ali quando o Matt canta que “(…) devo dinheiro ao dinheiro ao dinheiro que devo” que aumenta a dramaticidade de toda a história.

The National fez uma mistureba de emoções em High Violet, e talvez por perder um pouco da unidade do Boxer, transformou este novo trabalho em algo um pouco mais complicado de digerir. Mas podem ter certeza: quem der mais de uma chance para este álbum, terá um belo de um retorno ao longo dos anos.

A capa é pura homenagem ao melhor dos anos 70

Você tem que ser completamente surdo para ignorar o barulho que essa dupla de Ohio faz. Sério mesmo.

A primeira vez que tive contato com a música do The Black Keys foi em um distante 2002, quando a banda surgia do underground de sua cidade natal para alcançar os holofotes traiçoeiros da Mtv. Na época eles foram injustamente comparados com o The White Stripes. Foram necessários anos para a poeira baixar e logo as diferenças – gritantes, por sinal – entre as duplas surgiram.

O lançamento do Brothers, deste ano, vem para comprovar que os dois nerds musicais são verdadeiras metralhadoras ambulantes de puro blues, rock e até soul em seu formato mais efervescente. Já nos primeiros segundos da abertura da faixa Everlasting Light, os falsetes do menino-prodígio Dan Auerbach mostram que esse álbum vai ter muita alma para entregar e é melhor se prepara com firmeza. Na continuação, Next Girl, um ode aos pesadelos de ex-namoradas, é a que mais bebe da crueza e acidez de seu álbum anterior, Attack & Release, mas não deixa de respirar em ares de um single honesto e direto.

Mas é a Tighten Up que catapulta os teclas pretas à escadaria de preciosidades do rock’n'roll. Uma faixa simples, com uma linha de baixo grudenta e assovios simpáticos, que narra as tortuosas curvas do amor. Cantada com enorme honestidade, a letra parece escrita por alguém com ao menos 50 anos de idade, se não fosse que o vocalista e guitarrista Auerbach tem apenas 31 anos de idade. Essa firmeza na postura é demonstrada por mais músicas do álbum, que em momentos lembram os melhores solos com fuzz do Cream (na She’s Long Gone), a amargurada realidade do Muddy Waters ou o sofrimento concentrado dos melhores álbuns da Stax (a bela Never Give You Up).

Não podemos ignorar também o econômico e preciso trabalho da outra metade da dupla, Patrick Carney, que mantém um interessante groove em faixas como The Only One. Muito do Brothers também se deve as experimentações que a dupla fez no projeto paralelo Blacrok, que contava com a participações de rappers como Mos Def e a Nicole Wray.

Se você ainda não se sente convencido em experimentar o Black Keys, bom, paciência, você invariavelmente está perdendo uma das melhores bandas da atualidade. Fique torcendo para a turnê de reunião de sua banda mais antiga.